Mr. BROOKS

Con una filmografía mas sinuosa que una montaña rusa, Kevin Costner, nos ha deleitado y decepcionado a partes iguales durante quince años (por decir un número). Nos regaló el Elliot Ness (Los Intocables), el Lieutenant Dunbar (Bailando con lobos) o incluso Wyatt Earp. Pero también nos desquició con el Joe Darrow de “Dragon Fly”o el marinero de “Waterwold” o el Garret Blake de “Mensaje en una botella”.
Mr. Earl Brooks es de esos personajes que andan por el sendero que hay entre los dos grupos. Quizá porque éste se ve afectado de una doble personalidad, encontramos al Brooks padre de familia y hombre de negocios demasiado aburrido y pobre de matices; pero al otro Brooks más macabro y perfeccionista, entrañable e incluso simpático.

Producida por el propio Costner a través de su compañía Tig Productions, la película nos relata la aventura de un hombre de negocios exitoso con un sucio vicio (como lo llama él). El de matar. Dispuesto a dejarlo definitivamente, tendrá que enfrentarse a su “yo” asesino y a Tracy Atwood (Demi Moore), una agente de policía especializada en asesinos en serie que lleva años tras su pista.
Poco más puedo contaros de la trama, seria perjudicial y revelador de información spoiler que no creo conveniente. Pero si podría recalcar las interpretaciones de William Hurt (A.I., El Bosque) y Dane Cook (aun por descubrir). Sobretodo el primero; la relación de “mimetismo” que establece con la interpretación de Costner y la frialdad de su mirada que en algunos momentos consigue dar miedo.
De la pobre Demi Moore poco puedo contaros. Su participación nos deja mas bien indiferentes, incluso a veces nos encasqueta alguna sub-trama que nos es completamente innecesaria (toda la historia con el loco de Meeks es pura distracción). Aún buscándole algo al personaje (un poquito de salsa), no encontramos nada que nos sea interesante. Una Demi Moore (requeteoperada) inexpresiva que no hace otra cosa que despertar la añoranza de esa Clarice Starling de (mi querida) Jodie Foster en “El silencio de los corderos” o de Mills (Brad Pitt) en “Seven”.

Y hablando de “Corderos” y “Seven” os diré que una de las cosas que me hicieron disfrutar de “Mr. Brooks” fue precisamente que no le hizo falta caer en el tópico de las películas de “psychokillers” de los últimos años. Si es cierto que estos dos ejemplos fueron (y marcaron) precedentes en el resto. Su estética sucia, nocturna y diabólica. Su obsesión por mostrar el crimen en serie como algo excitante para el asesino cometedor, algo orgásmico. Películas como “Hannibal”, “El Dragon Rojo” o incluso remakes de “Halloween” o “La matanza de Texas”; todas ellas guardaban cierto parecido estético a los dos clásicos de los noventa. “Mr. Brooks” no. Rompiendo esquemas, rozando el humor negro y con una pulcritud extrema, se acerca mas a los films noir o a los films de Hitchcock.

Un motivo para verla: La pareja Costner/Hurt. Insuperables.
Un motivo para NO verla: Que te gustó Waterwold y la Demi Moore de “La teniente O’Neil”

EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD

Alabada por sus meritos estéticos e interpretativos, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, de, un prácticamente desconocido para la mayoría, Andrew Dominik, nos cuenta la lenta pero verídica historia de la muerte del famoso pistolero a manos de un rarito admirador / imitador.

No encuentro justificación alguna para los 160 minutos de metraje a la que se somete al espectador. Y quizás peque de inculta al pensar que se pierde en la poesía profunda de sus silencios eternos y sus paisajes a medio desenfocar (un recurso, por cierto, de lo mas remarcable en el film). Escenas de relleno a casco porro, para entendernos, nos desvían de la trama original de la película y consiguen que a los 90 minutos la mayoría de los asistentes hayan perdido todo interés (incapaz me creía yo de mirar la hora del móvil en el cine).

Solo había sentido tal desesperación con otra película en la que, casualmente, también aparece Brad Pitt como protagonista. Siete Años en el Tibet (1997), de Jean-Jacques Annaud, paso a ser, desde el momento en que la vi y para el resto de su historia, mas conocida como Siete años en el cine, pues por mucho que te gustase Brad (que yo por aquel entonces lo adoraba) era un bodrio infumable que conseguía que te entraran ganas de cortarte las venas.

Volviendo a El asesinato… solo puedo remarcar dos aspectos. Por un lado la fotografía, muy naturalista y bien conseguida, con planos muy bellos y buscados (en algunas ocasiones). Y por otro lado, las interpretaciones de un sereno y aparentemente cómodo en su papel, Brad Pitt, al que se le empieza a ver la madurez en sus trabajos. Y Casey Affleck (hermano del peor actor, aunque sin duda mejor guionista, Ben Affleck) que nos ofrece un extraño personaje de rictus hierático, que roza el limite de la locura como admirador fiel del genial pistolero (otros fans asesinos le siguieron después de él).

Con todo esto, solo tengo que pedir perdón por no haber actualizado antes, pero esta critica en concreto la teníamos atragantada hasta el punto de ir pasándola el uno al otro por pereza de querer criticarla (la misma pereza que da verla).

Os aconsejo que la veáis en DVD si tenéis valor, y sobretodo que si os embarcáis en esta tediosa aventura del oeste mas profundo, lo hagáis en versión original.

ELIZABETH: La edad de oro.

Muy contentos no estarán aquellos que esperaban encontrar una lección de historia en la “secuela” de Elizabeth. Pues, es cierto que en esta ocasión (como en tantas otras) el dramatismo y la narrativa que exige el lenguaje cinematográfico a provocado alteraciones en los hechos reales que acontecieron en la guerra de la Armada Invencible contra Inglaterra. Ya posiblemente el primer film del director sobre el mismo personaje, estaba a rebosar de errores (como por ejemplo la edad de Elizabeth al llegar al trono), pero visto lo visto, tanto a Shekhar Kapur como a Cate Blanchett les perdonaremos esos detalles, porque si algo esta claro es que tanto el director como la actriz están cómodos con el personaje.
Queda patente (y nos lo ha demostrado en incontables ocasiones) que Blanchett es de las mejores actrices de su generación. Y la Reina Virgen es uno de esos personajes que nos ayuda a comprobarlo. Tanto que el hilo argumental de Elizabeth: La edad de oro no se centra en la guerra que marcó esas fecha, sino en como afectó e hizo tambalear el poder (casi divino) de una reina, Kapur nos muestra el lado poderoso y distante de la reina, enfrentado al humano y débil de la persona (de carne y hueso) que debe arrastrar el peso de su propia corona. Y es, precisamente, en los momentos de intimidad (la reina se descubre tal como es) donde Blanchett está magnifica. Y no exagero.

Con una puesta en escena tremenda, las localizaciones dejan patente la riqueza de poder de unos (ingleses) y la riqueza de fe de otros (españoles). Cada uno de los palacios, cada una de las catedrales, iglesias o ermitas, incluso los dormitorios o salones, están cuidados al milímetro. Desde la luz que baña los pasillos, entrando por ventanales, hasta la oscuridad a la que están sometidos los españoles dentro de sus criptas. Y no es menos la labor del equipo de vestuario que no quisieron desaprovechar la ocasión para lucir telas y cortes. No hay ni un vestido de Elizabeth que pase desapercibido.

Por parte del reparto, habría mucho que decir, pero resumiremos hablando de la corte que rodea a Blanchett. Empezando por un Geoffrey Rush (Barbossa en Piratas del Caribe) que esta vez nos regala a Sir Francis Walsingham, la mano derecha de la reina, un ser noble y justo pero con algún secreto que otro. A parte de despertar simpatía, no pasa muy advertido en la historia. Abbie Cornish, actriz aún por descubrir, es Bess, una de las damas de compañía de la corte. Quizá su interpretación me recordó a una joven Nicole Kidman o incluso a la tímida Naomi Watts; pero la verdad es que mientras no sea tentada por papeles de comedietas adolescentes, esta australiana puede dar que hablar. Nuestro pequeño internacional, Jordi Molla, sobrepasa los límites de la credibilidad con su Felipe II. Con un andar un tanto extraño y la voz que le pone al personaje (no se si es de su cosecha o intervino Shekhar Kapur en ello). Da la sensación de que pretendía ridiculizar al soberano, pero se convierte en tal caricatura de éste, que nos hace fruncir el ceño cada vez que aparece.
Por ultimo, Clive Owen, un actor de la vieja escuela de Brando, de los que se nota que dejan los intestinos en cada personaje. Que viven y comen el personaje. La verdad. Sir Walter Raleigh, no es más que el típico héroe (pirata esta vez; como los del Caribe) aventurero, seguro de sí mismo y un poco “sobrao”. Prefiero al Clive de Closer, Hijos de los hombres o Sin City.

Adecuada: Para fans de películas de época.
Inaceptable: Para profesores de Historia.

BEOWULF

La leyenda del guerrero Beowulf es tan importante y antigua en la cultura anglosajona, como el Cantar del mío Cid lo es en la nuestra. Por eso mismo, no ha resultado fácil la tarea de llevarlo a la gran pantalla de una manera digna y respetable.
Algunos podrán pensar que una historia de tal magnitud debería haber sido realizada a la antigua usanza (con personas “de verdad”) porque, si se pudo hacer El señor de los anillos esta es, más o menos, tres cuartas de lo mismo. Sin embargo, la espectacularidad de algunas secuencias y la interacción de personajes y monstruos durante todo el film, hace de la opción del digital (mediante la captura de movimiento) la más acertada. Una vez entras dentro de la estética de la película y aceptas su juego nada chirría.

Los encargados de guionizar el poema anónimo son dos bestias del mundillo. El primero Neil Gaiman (autor de Sandman), aficionado desde niño a la leyenda, la cual conoció a través de un cómic. Ya de adulto y después de leerse la traducción del poema original, decidió contactar con el co-guionista de Pulp fiction ,Roger Avary, para proponerle la tarea en común.
Si bien es cierto que algunas partes del poema original han sido engalanadas, o mas bien reformadas, a fin de convertir la historia en algo mas atractivo para el gran publico. No por ello se debe desmerecer el gran trabajo que Gaiman y Avary han llevado a cabo. De hecho, gracias a su esfuerzo, Robert Zemeckis se sintió atraído por una historia que nunca soporto y que incluso, con el proyecto entre las manos, no tuvo el gusto de leer.

Zemeckis (director de joyas cinematográficas como la trilogía de Regreso al Futuro, 1985-90 o Forrest Gump, 1994) repite experiencia con el sistema de captura de movimiento que ya utilizaría en The Polar Express (2004), rodaje que le sirvió como banco de pruebas para trabajos futuros como este del que hablamos, o su nuevo proyecto en asociación con la Disney A Christmas Carrol en fase de preproducción y con estreno programado para las navidades de 2009.

El elenco actoral de Beowulf se puede considerar de verdadero lujo. Con un protagonista como Ray Winston (actor ingles, quizás el menos conocido para el gran publico) interpretando al héroe. El eternamente retirado Anthony Hopkins (El silencio de los corderos, 1991, o mas recientemente Bobby, 2006) interpretando al anciano rey Hrothgar. La dulce y joven reina Wealthrow, a la que da vida la actriz Robin Wright Penn, de los Penn de toda la vida (para los mas freaks añadir como dato curioso que Robin no es, ni mas ni menos, que la princesa prometida de la homónima y mítica película de 1987). El consejero y valeroso guerrero del rey, Unferth, interpretado por el gran John Malcovich (El imperio del sol, 1987 o Juana de Arco, 1999). Y como no, ultima pero no menos importante, la siempre sensual y esta vez increíblemente voluptuosa Angelina Jolie (Inocencia Interrumpida, 1999, o Sky Captain and the World of Tomorrow, 2004), en el papel de Woktja, la madre de la bestia Grendel.

La película, como conjunto, parece bastante completa; tenemos un ritmo de narración adecuado, salpicado de acción a raudales y diálogos mordaces a cargo de la pareja Gaiman/Avary. Así como, una recreación de paisajes y localizaciones muy lograda. Pero (y siempre tiene que haber un pero), quizás el ansia de poder llegar a un publico mas extenso y esquivar la censura americana, ha hecho que algunos momentos resulten ridículos, incluso rozando la estupidez (todo por que no se vea lo que le cuelga a Beowulf de entre las piernas, ¿puede que la tuviera pequeña?... ahí queda eso…)

No te la pierdas: Si te gusta el cine épico y de aventuras llevado a la máxima expresión.
No la veas: Si eres un amante del cine a la antigua usanza (el futuro ya esta aquí, y sale mas barato).

LA HABITACION DE FERMAT

Que de ganas tendrían Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña de ver acabado este primer largometraje que estoy seguro y me aventuro a decir que les ha valido sudores y lagrimas. Un proyecto humilde y de (entre comillas) ajustado presupuesto, pero, eso si, bonito.
Es cierto que quizá se apoyaron en un inicio muy potente y en una estética que embellece todos los planos. Las localizaciones son tan tristes y desoladoras que parecen fabricadas (sobretodo ese campanario asomando en medio del lago, que podéis encontrar en Sau, Barcelona) y la famosa habitación de Fermat que es, creo, el protagonista de verdad en la película. Porque, y no quiero herir a nadie, quizá es ese el problema que no supieron resolver los “chavales”. Llega a ser tan espectacular el mecanismo y la claustrofobia de esas cuatro paredes que se nos quedan pequeños los personajes.
Hay tantas brechas abiertas acerca del pasado de los cuatro “matemáticos” que (por lo menos a mi me pasó) sales de la sala lleno de preguntas. “¿Quién es ella en realidad?” “¿Y Fermat?” No seguiré por temor al spoiler. Y puede que no sean solo las brechas en el guión, las interpretaciones de los actores no terminan de estar a la medida de su personaje. Me explico; Lluís Homar es un hombre de tablas, de teatro, y solemos ver interpretaciones muy dramáticas por su parte. Aquí en Fermat podría haber lucido un personaje con porte de rey y le quedo un bufón. Alejo Saura parece no quitarse la televisión de encima y en ocasiones sobre-actúa el llanto o la decepción. Elena Ballesteros me pareció inapropiada para el personaje (insisto que es una opinión) con ello no digo que no lo haga convincente (…) es quizá que alguna actriz con más carácter y menos candidez habría convencido más. Y Santi Millán (ay! Santi) no tengo muy claro cuales fueron las directrices que le dieron para crear su personaje, pero parece que anda sobre arenas movedizas durante toda la película, con ello me refiero a que no parece seguro. Se tambalea y polariza mucho su interpretación, igual grita nervioso que se relaja y habla en susurros. Federico Luppi me dejó sin palabras (una vez más). Su inquietante mirada y esa sarcástica sonrisa por debajo la nariz hace de su personaje un auténtico enigma.

Aún así, Piedrahita y Sopeña consiguen no dejarnos mal sabor de boca. Quizá porque los personajes (tan criticables) son lo de menos en esta historia. En la habitación es donde reside la trama, y sobretodo en los divertidos y estimulantes acertijos que se plantean durante el transcurso de la historia, que de alguna manera hacen que el espectador también se lance a pensar en la respuesta mientras la claustrofobia y la tensión “asfixian” el ambiente de la sala.
Y respecto a las lagunas de los personajes, algunas de ellas las explican (a medias) ellos mismos. Aunque (aprovechando que solo son 90 minutos de metraje) podrían haberse ahorrado dialogo pastoso y por montaje desvelarnos poco a poco cada una de esas tramas. (Serán esas imágenes descartadas que aparecen en los extras del DVD).
Pero no seamos Torquemada, hay que entender que en una opera prima se experimente y se aventure. Si Fermat ha sido un esbozo del proximo proyecto, el tándem de “Nada por aquí” puede dar mucho que hablar. La nueva generación ya está aquí.

Lo mejor: La labor del departamento de Arte y los acertijos.
Lo peor: Alejo Sauras.

RESIDENT EVIL: EXTINCIÓN

Lo bueno de ir al cine, sin expectativa alguna, es que así es más difícil salir decepcionado. De Resident Evil: Extinción esperaba lo que he visto, una Milla Jovovich tremenda (como siempre), mucha sangre y zombis, zombis y más zombis por todas partes. De hecho, y para haceros una idea de la poca huella que esta clase de películas suelen dejar en el espectador, ahí va una prueba: yo estaba totalmente segura de haber visto las dos entregas anteriores; pues bien, ya bien entrada la película me he dado cuenta de que no había visto la segunda, aunque bueno, a decir verdad, ni siquiera la he echado en falta porque tampoco hay mucha trama en la que poder perderse.
Haciendo gala de sus habituales señas de identidad, la acción nos persigue desde el primer segundo de la película sin descanso (creo que he contado un par de secuencias en las que se respire calma). Esto no esta mal, por lo menos no te permite aburrirte, aunque si cierras los ojos durante cinco minutos y luego los vuelves a abrir, te parecerá que están matando una y otra vez al mismo zombi del minuto 22 (Si la habéis visto entenderéis porque).

Paul W.S. Anderson director de grandes películas como Mortal Kombat (1995) y Horizonte final (1997) (sin ironías… lo juro), guionizó las tres entregas de la saga y dirigió la primera de ellas, para mi gusto la mejor. Luego, se ha mantenido en otro plano, como productor, asegurándose, eso si, de que su querida mujer siempre quedara mona (no hay nada como pasarse el día mordiendo el polvo del desierto y tener un cutis y una manicura perfectas). Gracias a dios, y a pesar del final de RE: Extinción, no creo que vayamos a tener cuarta entrega de esta saga (seria como intentar estirar demasiado el mismo chicle resobao). Espero que en un futuro, el señor Anderson tenga a bien dirigir otra cosa, en la que, por favor, no aparezcan más zombis.
De los efectos especiales no diré nada. Se presupone que en una película de este estilo deben de ser buenos (sino te quedas sin medio reparto). Milla esta simplemente genial, en su papel claro, aunque bueno, no negare que me declaro fan casi incondicional de la Jovovich desde que la vi interpretando a la inocente Leeloo de El Quinto Elemento (vaaaale, no fui capaz de ir a ver Ultraviolet, y aun no la he visto). Del resto del reparto, solo destacar una muy desaprovechada Ali Larter, en el papel de Claire (mucho mejor como Nikki en Heroes, sin duda).

No se si los que hayáis jugado a todos los juegos que existen en torno a RE habréis pillado algo mas de lo que yo he entendido viendo esta película. Quedan muchas cosas sin aclarar, parece como si, simplemente, dejaran de tener importancia. Además, la cinta esta llena de clichés y homenajes cutres que no ayudan demasiado.


No te la pierdas: si quieres pasar una horita y media (justa) de diversión sangrienta con culitos prietos en shorts. Cine palomitero por excelencia.
No la veas: si estas harto de lo mismo de siempre.

SPIDERMAN 3 DVD

Estamos aceleraos en Blog Fiction. Se acercan las Navidades, o eso es lo que nos hacen creer en la calle con tanta lucecita y escaparates con nieve. Y si es cierto que nos espera un invierno cargadito de estrenos de esos que nos hacen babear con solo ver el cartel colgado encima de la taquilla. Mientras tanto, y siguiendo la reciente tradición de estrenar secciones, vamos con una más: ESTRENOS A LA VENTA.

El 29 de Octubre llego a nuestras tiendas una película, esperada por algunos y olvidada por otros. ¿Alguien se acuerda de Spiderman 3?
Hacemos un leve resumen de ese fatídico “cierre” (se huele una cuarta parte a lo lejos) de lo que podría haber sido una gran trilogía. Como lo fue Karate Kid. (¿?)
Peter ha conseguido encontrar un equilibrio entre su amor por Marie Jane y sus obligaciones como superhéroe. Pero una tormenta de arena se avecina en el horizonte, para darnos a uno de los villanos más insulsos de MARVEL. El “temible” ladrón de furgones blindados Hombre de Arena. Le añadimos a la historia un simbionte del que no nos cuentan nada, solo que parece chapapote venido de Galicia y que cuando entra en contacto con Parker lo convierte en “Toni Manero” (no perderse la secuencia del club de Jazz) y cuando entra en contacto con el fotógrafo rival de Peter, Eddy Brook que a su vez es el “noviete” de Gwen Stacy (aquí me perdí. Para los no-lectores de Spiderman, el personaje de Gwen es la primera novia “formal” de Parker que murió en manos del Duende Verde), éste se convierte en Venom, otro enemigo cansino del lanza telarañas, de esos que parece que nunca mueren. El trasfondo de la historia es el “cara o cruz” en el que se debate Parker durante los (larguísimos) 130 minutos de metraje, donde cara, sería su mujer y cruz, su alter ego de superhéroe.
Teniendo en cuenta que si eso se hubiera desarrollado correctamente estaríamos hablando de una película de personajes; pero como lo que nos queda es el regusto de algo mal digerido (sobretodo con el combate final Spiderman/Duende Verde Jr., por favor que alguien me explique eso)…

Aún así, voy a echarle valor, y quiero recomendarla. ¿Por qué? Por las tres ediciones que nos llegaron el día 29 del mes pasado.
Una primera edición, sencilla. Con un solo disco y con apenas extras. Menús interactivos, acceso directo a escena y comentarios de Raimi y algún actor.
La segunda, un pelín más completa, con dos discos. El segundo con Tomas falsas (muy típico de un tiempo a esta parte), 11 reportajes de “makin of” y galerías de imágenes. A esta edición se le añade el reclamo para ventas de la caja metálica, pero poco más.
Y la última y estrella de hoy. Spiderman La Trilogía. Por 29’99€ (en DVDgo lo podéis hojear) Incluye dos Dvd por película (en total 6) y largo y tendido de documentales donde (a parte de comerse las po..as con lo de “es el mejor director con el que he trabajado jamás”) se desglosan las labores técnicas de los departamentos de producción, arte, vestuario y FX. Y además: Tomas Falsas, DVD-ROM, Spider-Man: la mitología del siglo XX, Perfil del compositor: Danny Elfman, Perfil del director: Sam Raimi, Cómo se hizo, Spider-manía, Galería fotográfica, Trailers promocionales, Test de vestuario y maquillaje, Test de pantalla, La historia de Spider-Man, Galería de villanos, Los amores de Peter Parker y Enlaces a la Web.

En conclusión, me parece muy acertado por parte de Sony Pictures el hecho de comercializar tres ediciones. Depende del interés y de lo que queramos ver una u otra cubrirá nuestras necesidades. Pero eso si, Spider-Man 3 seguirá siendo un quiste en la trilogía.

En alquiler: LADRONES

Inauguramos una nueva sección dentro de nuestro Blog; con ella intentaremos ampliar un poco más el área que ya cubrimos y hacer un repaso de los estrenos de alquiler para las aburridas tardes de invierno.

Pues bien, para “desvirgar” esta sección hemos elegido una película española, que obtuvo grandes reconocimientos en el pasado festival de Málaga. Hablamos de Ladrones, opera prima de Jaime Marques Olarreaga, con un Juan José Ballesta algo más formal (se pasa prácticamente toda la película con la americana puesta), y una Maria Valverde muy en su línea (sacando morritos).
La cinta nos cuenta la relación entre un chico devorado por su destino y una niña bien que parece buscar algo de morbo en su vida. Y, más o menos, se queda ahí, porque contar lo que se dice contar, no cuenta nada. Acepta lo que eres y punto. Pues vaya mensaje… Total, voy a seguir.
El ritmo de la película me parece lento. Si eso lo unimos a que tampoco es que te cuente muchas cosas, convierte la cinta, en mas de un momento, en algo aburrido y monótono (vamos que te dan ganas de quitar la pelicula a ver si en Dolce Vita sale alguien interesante). Además, me parece que la historia esta muy desaprovechada. Me explico. Tiene un tema bastante inexplorado, del que podría sacar mucho jugo, pero que pasa sin pena ni gloria paralelo a la historia de semi-amor que desarrollan sus dos protagonistas.
En cuanto a la dirección de actores y esas cosas… Ballesta (nuestro niño de El bola) sigue tan bien como siempre, auque alguien debería de enseñarle alguna cara mas para su repertorio gestual. Por su parte, Maria Valverde (ese gran descubrimiento de La flaqueza del bolchevique) no parece que de muchos pasos al frente, sino mas bien todo lo contrario. No consigo ver a sus personajes, solo la veo a ella, con esa cara de dulce panadera francesa del siglo XVIII, todavía no ha demostrado tener más de un registro, y la verdad es que su simple presencia en un cartel me tira bastante para atrás.

En cuanto a lo demás, todo correcto, y solo eso, correcto. Siento haber hecho una crítica tan negativa, pero es que (como creo que ya ha quedado claro) no me ha transmitido nada, ni siquiera con ese final tan tremendista que tiene. Nada.

Pues sin mas, solo decir que menos mal que no la vi en el cine (porque no se merece los 6 euros que vale la entrada), y a ver si la próxima vez tengo mas vista eligiendo que alquilar.

PROMESAS DEL ESTE

De nuevo tenemos a Cronenberg en nuestras pantallas. Y esta vez es increíble. Bueno, en realidad, tampoco soy de los de la opinión de que sus dos últimas películas son las mejores de su filmografía. Este canadiense del 43 lleva haciendo películas desde el 66. Ya seria bueno que las dos mejores fueran sus dos últimas.
Pero si es cierto que como a menudo resulta con David Cronenberg, esta vez tampoco decepciona.

Vuelve a contar con Viggo Mortensen como “capitán” de la historia. Y lo digo así por que no creo que se pueda decir que es el protagonista. La historia es un triangulo donde tres hilos argumentales se cruzan entre ellos, y cada uno de ellos se sostiene por si solo y a la vez necesita de los otros.
Resumiendo (sin spoilers); el argumento de “Promesas del Este” gira en torno a tres personajes, Anna Khitrova, una enfermera que trabaja en maternidad de un hospital en Londres, Nikolai Luzhin, el chofer de una familia mafiosa y Semyon, el patriarca de la familia. Una adolescente indocumentada que muere tras dar a luz en el hospital de Anna, deja como único rastro para identificarla, un diario. Anna quiere descubrir lo ocurrido a la joven, pase lo que pase, y que la familia de ella se encargue de la recién nacida. Sin embargo, lo escrito en el diario perjudica a la familia para la que trabaja Nikolai. Y ahí se cruzaran las historias de los tres personajes.


A decir verdad, y viendo la sinopsis de la película, uno que no la haya visto, le parecerá tópica y previsible. No anda muy lejos la verdad. Pero si hay que decir que, al igual que “Una historia de violencia”, esa simplicidad de relato es lo que permite a los actores enriquecer a sus personajes y hacerlos grandes. Nikolai (Viggo) es un hombre de pocas palabras; su mirada es muchas veces más reveladora.
Es la cotidiana y tranquila Naomi Watts (Anna Khitrova), las conversaciones amables de Semyon (Armin Mueller-Stahly) y lo “normal” que resulta todo en la película (labor de Cronenberg) que hasta los momentos violentos (no perderse los baños) nos parecen completamente justificados. Es algo que forma parte de la rutina de los personajes.
Y hablando de personajes, y con esto termino, dejadme que os hable de los secundarios. Vincent Cassel (Kirill) parece ansioso por parecer protagonista (quizá un poco sobreactuado el personaje), pero no incomoda su actuación. Y Armin Mueller-Stahly que nos recuerda al abuelo bonachón de un amigo. Su actuación es impecable.

Conclusión: Si os esperáis al estreno en DVD nadie lo lamentara. Pero eso si; hay que verla.

EL ORFANATO

Decir que El orfanato no es una buena película seria mentir, porque es simplemente perfecta. Y si, ya se que empezar diciendo esto resulta quizás un poco fuerte, pretencioso tal vez, pero lo que es, es.
Por si acaso alguien lo espera, no voy a contar absolutamente nada de la trama de la película, que para eso ya están la tele y las revistas especializadas. Además, a estas alturas, dudo mucho que aun haya alguien que no sepa de que va, así que esa parte me la saltare.

Si analizamos técnicamente la opera prima de J.A. Bayona (reconocido creador de vídeo clips, y con dos cortos premiados a sus espaldas, “Mis Vacaciones” y “El hombre esponja”), pronto nos daremos cuenta de que no estamos ante una película típicamente española. Vemos los detalles de un equipo que posiblemente se halla criado mamando el cine de Spielberg o Zemeckis. La generación de los 80 esta tomando el relevo, y eso empieza a notarse.
Algunos críticos estadounidenses han dicho, en relación a la película, que es como si ellos durante años nos hubiesen estado enseñando como se hacia el buen cine de terror; y, ahora, nosotros nos estamos encargando de recordárselo. No van muy desencaminados.

El guión cuenta con una estructura impecable, cumpliendo todas las reglas que cualquier escritor de guiones que se precie debe conocer y utilizar. La dirección de actores es estupenda, con una Belén Rueda que se sale de la pantalla y centra totalmente la atención del público. La fotografía es magnifica, pues utiliza a su conveniencia tanto la luz como la falta de ella y con esto nos envuelve y nos sumerge en la historia y en la atmósfera del film. La dirección artística acompaña a la fotografía en todo y la mejora si cabe, sencillamente genial. El montaje es, en pocas palabras, de lo más correcto en el buen sentido… Y vosotros diréis… “¡Coño! Que película mas perfecta”, bueno, pues si, y no.

Es una película perfecta académicamente hablando, desde el punto de vista más técnico de la palabra. Pero, realmente, no se nos esta presentando nada nuevo. Es la misma historia que nos vienen contando otros (fuera de España, no necesariamente los americanos) desde hace ya mucho tiempo. Hay momentos, en los que incluso llega a resultar predecible; es como si un paso llevara al siguiente (y para cualquiera que tenga una pequeña idea de lenguaje narrativo audiovisual, eso muchas veces canta).
Si esta película hubiera venido desde los EEUU con titulo en ingles y actores americanos, otro gallo hubiera cantado, y muchos de nosotros ni siquiera hubiésemos ido a verla. Tan solo seria una película más de miedo.
Pero, he ahí donde reside su flaqueza y su grandeza. La película es española, SI, y lo podemos decir bien alto para que se oiga (aunque se note un poquito por ahí la mano del gran Guillermo del Toro). Hay que apoyarla no solo porque nos guste más o menos, sino porque debemos fomentar la creación de más películas así en este país. Esta demostrado que somos capaces de hacer grandes cosas; que toda una generación de creadores y técnicos ha surgido para llevarlas a cabo y que tan solo necesitan la oportunidad de demostrar lo mucho que valen. Por eso, hay que apoyar este tipo de iniciativas, porque todos queremos dejar de ver cosas como “Desde que amanece apetece” (sin ofender) y empezar a ver cine de calidad hecho por nosotros, sin tener que recurrir a la clásica historia de personajes incomunicados.

Salvador: Historia de un milagro cotidiano

Todo empezo como una casualidad, la victima de un efecto mariposa que dura ya mas de dos años, y que parece no tener fin (al menos de momento).

Como niños en un campamento de verano, estuvimos cuatro dias disfrutando de nuestro trabajo / hobby. Todos estabamos alli por y para el proyecto, nadie se quejaba, todos queriamos formar parte de esto para ver crecer al niño que estabamos creando.
Ahora nuestro niño ya anda solo, y viaja por todo el mundo como Pedro por su casa. Y es que, hoy en dia, crecen muy rapido. Desde aqui le seguimos los pasos y celebramos todos sus triunfos, pues sus alegrias son las nuestras.

Empezamos en Madrid, que fue nuestro pistoletazo de salida, y de ahi a Cinema Jove, Grecia y proximamente, incluso, Corea. Nos han ido recibiendo con los brazos abiertos alli donde hemos ido (aunque no todo han sido buenos momentos); tenemos mas de lo que nunca llegamos a soñar.
Ganar en Grecia le abrio las puertas de Europa. Ahora ya estamos en Berlin (European Film Academy), y quien sabe donde mas podra llegar...

Mientras tanto, solo nos queda esperar.

Enhorabuena a todo el equipo.

HAIRSPRAY

El aquí presente esta de celebración. De siempre he sido un fiel defensor del género musical en el cine y adoro esas épocas en que se ponen de moda. Y se llenan las carteleras de películas donde actores que creíamos serios y tímidos nos hacen reír con bailes de salón y coreografías dignas de Gene Kelly.
No solo me refiero a John Travolta (que damos por supuesto que sabe bailar y cantar) ni tan siquiera a Christopher Walken (que seguro que para mas de uno habrá sido sorpresa), estoy hablando de Michelle Pfeiffer (que veremos de nuevo en Stardust muy pronto) que, al igual que Richard Gere en Chicago o Ewan McGregor en Abajo el amor, nadie podía imaginar que cantara y bailara con ese swing tan… elegante. Incluso James Mardsen (el inaguantable Cíclope de X-men) nos deleita con un personaje simpático y divertido. Pero vayamos por partes.
Permitidme que hable un poco de la banda sonora. Que teniendo en cuenta que tratamos con un musical, ésta sería un 60% de la película. Solo la puedo describir con un FANTASTICA. A diferencia de los temas de Olivia Newton-John en solitario en Grease, que solo hacían que bajar el ritmo de ese gran musical, Nikki Blonsky (la novata de la película) se nos presenta con un “Good Morning, Baltimore” cual Bella de Disney en “su pequeña aldea” y ya nos hacemos la idea que esto va en serio, es decir, de cachondeo y jarana. Y para cachondeos los que monta Travolta con su “marido” Walken en el patio con “You’re Timeles to me” o Michelle en plan corista en un casting con “The Legend of Miss Baltimore Crabs” (Miss Ladillas, si, es correcto).
En definitiva; rock, swing, rithm ‘n’ blues, soul y una Queen Latifah (de rubia y guapísima) que termina por hacernos bailar en la butaca. Al menos, un servidor, se fue bailando de la sala.

Que decir del resto. La labor de un departamento de arte capitaneado por uno de los grandes. David Gropman (su último arte, el de Casanova de Lasse Hallström) consigue llevarnos a la época pastelosa de la América profunda de los años sesenta. Los coches, los comercios, las estanterías repletas de juguetes y cachivaches de la época. Incluso los artículos que vende “papá” Walken son de esa época.

Al igual que toda la faena de vestuario (magnifica Rita Riack, gracias a ella tuvimos a una esplendida Sharon Stone en Casino) que acompasa con sus fabulosos vestidos las coreografías de cada uno de los actores. De vestuario, resaltar a madre e hija saliendo de Mr. Pinky, una tienda para tallas especiales y el numero final de Travolta y Blonsky (las dos vestidas para la ocasión).

Para cerrar esto quiero salir en defensa de John Travolta y su participación en esta película. Puede que mas de uno se pregunte porque aparece haciendo un personaje femenino (también es cierto que en la versión original de 1988 lo interpretaba Divine, que tampoco era una mujer) y posiblemente es el respeto al origen del personaje, más que otra cosa, lo que empujó a Adam Shankman (director de la criatura) a pedir al actor que interpretara a Edna Turnblad.
Y creo que a nadie le chirriaran los ojos de ver a un hombre interpretar a una mujer. Travolta consigue ocultarse bajo el látex dejándonos al descubierto solo la mirada. La misma historia nos oculta al actor y (aquí uno lo asegura) nos olvidamos de él.

Conclusión: Ideal para sábados de no “hacer ná”. No se lamentara.

LA GRAN ESTAFA (THE HOAX)

Esta nueva historia que nos presenta Lasse Hallström, gira entorno a algo que ocurrió a principios de los años setenta, lo que llamamos basado en hechos reales, pero que a pesar de eso no queda libre de ciertas modificaciones para hacer mas “creíble” o , mejor dicho, grandilocuente la verdad. Y es en eso, en la verdad, en lo que nos sumergimos. En ella y por supuesto en su antagonista, la mentira.
¿Hasta que punto algo es verdad o mentira? Si algo que sabemos que es falso, lo disfrazamos bien y sabemos venderlo, puede convertirse en algo mas verdadero que lo que nos ocurra a nosotros mismos. Lo vestimos de grandilocuencia, soberbia y algo de locura, y pronto sentiremos como el efecto bola de nieve viene a por nosotros y nos arrastra.
Durante la historia de la humanidad, muchas verdades fueron sepultadas y muchas mentiras se convirtieron en verdades absolutas; desde la vida de Jesús de Nazaret, hasta los tejemanejes del caso malaya (permitidme la comparación), hemos sido y estamos siendo manipulados continuamente por lo que nos cuentan y creemos que sabemos. Si bien la mayoría de las veces esa manipulación no la llevamos a cabo nosotros, sino que nos la imponen.
En base a esto, Hallström nos cuenta la historia de un hombre agotado, cerca de la mitad de su vida y cuyos sueños no se han cumplido, a pesar de una juventud que albergaba un futuro prometedor, a la altura de Hemingway; que tras el rechazo de su ultima novela, decide inventarse un libro, tan falso, que acabara pareciendo autentico y genuino. Lo vende como el mejor libro del siglo. Y se lo compran.
Y, es aquí donde volvemos a lo del efecto bola de nieve; Clifford Irving (interpretado por un mas que correcto Richard Gere) teje junto con su amigo inseparable y por rebote co-autor de la obra Dick Suskind (Alfred Molina, al que recordamos de cintas como Frida o El Código Da Vinci) una novela autobiográfica a base de documentos robados, manuscritos de viejecitos y alguna ayudita externa, que cobra vida propia convirtiéndose en su Frankenstein particular, fuera de todo control. Todo es tan grande que llega donde nadie creyó que pudiera llegar, y así los manipuladores se convierten en manipulados y son engullidos por su propia mentira/verdad.
Dick ejerce, en muchos momentos, de Pepito grillo con Clifford, en un triangulo que se completa con la mujer de este, Edith Irving (Marcia Gay Harden, Mystic River, American Dreamz) y que acaba por destruirse aplastado por la verdad.

La gran estafa (The Hoax) pasó sin pena ni gloria por los cines de Estados Unidos, tal vez porque no es el tipo de película al que están acostumbrados por allí. Tiene una narración lenta, más habitual en el cine europeo; y no se convierte en un biopic de efectos espectaculares, como en su día puso serlo El aviador (basado en la vida de Howard Hughes e interpretado por Leonardo DiCaprio). Narra la historia de una manera sencilla, con ese carácter intimista que caracteriza todas sus películas, pero que para nada desmerece la magnifica realización que cada una de ellas tiene detrás. Sin embargo, Hallström será mas recordado por obras como Las normas de la casa de la sidra o Chocolat, tal vez porque estas, contenían una belleza narrativa difícil de igualar. Aun así, esta última película no carece de interés, sino todo lo contrario, ya que, a través de ella, exploramos como muchas veces la ficción, realmente, supera la realidad e incluso la mejora.

LA JUNGLA 4.0

Antes de empezar a leer el siguiente texto debo advertir que hay fragmentos donde se habla de momentos de la película. Para que puedas seguir el texto sin “spoilearte” la película, esos fragmentos se editan en cursiva.

Son ya diecinueve años los que han pasado desde que el detective John McClane viviera su primera aventura en ese Nakatomi Plaza. Y aunque sigue estando en forma, las arruguitas y la calva nos confirman el paso de los años.
Pero dejemos la calva de Willis (para más tarde) y hablemos de cosas serias. Como por ejemplo de Len Wiseman, un joven director (de 34 años) que en 2003 llamó la atención del publico con un proyecto “de bajo” presupuesto (Underwold) y que gracias a su éxito en taquilla tendría su secuela (de ya no tan “bajo presupuesto”) que como siempre, pasaría con mas pena que gloria. Aun así, parece ser que al chaval le gustan los vampiros porque para el 2009 (así lo afirman algunos archivos) prepara la precuela (aun sin nombre, pero vaya, nos imaginamos “Underwold Algo mas”). Pues ese tal Len Wiseman ha sido el encargado de ponerse detrás de las cámaras de la cuarta (y creo, no última) entrega de “La Jungla de Cristal”. Labor, por su parte, mas que correcta.
Ya venia demostrando Wiseman que a la hora de hacer acción él puede ser muy bueno. Sus anteriores proyectos lo avalan, pero esta vez, la suerte jugaba a su favor, un presupuesto de blockbuster y al rey de la acción. Y es que tener en plano a Willis con la cara llena de cicatrices es un signo de éxito. Y si además le adjuntamos un buen guión al protagonista, el palomitero saca chispas.

Hablemos un poco de la historia. Y para ello debemos partir de un McClane mayor (y calvo), un dinosaurio (como lo llama el villano en esta entrega), un ex -fumador, divorciado y olvidado padre (su hija Lucy no reconoce McClane como su apellido). Un cincuentón al que la era tecnológica le viene muy grande. Un McClane que tiene que ir acompañado de un joven para poder entender que es Internet. (Un dato curioso es que cada vez que quiere comunicarse con alguien por teléfono es el chico quien tiene que llamar. Clara señal de que McC no entiende mucho de telefonía móvil.
) Y el joven en cuestión (Justin Long, visto en “Cuestión de Pelotas” y “Jeepers Creepers”) será perfecto para la trama de la historia. Quizá porque hoy en día se tiene mas pánico a una guerra tecnológica que a la temida (en los 80) guerra química o nuclear, solo aquellos que dominen la extensa red de información que cubre el mapamundi (o sea, Internet) y sepan moverse por ella, podrán hacer frente a un ataque a través de ella. En los noventa se les apodo “hackers” (tuvieron hasta su propia película) y puede que (como muestra La Jungla 4.0) sean los héroes del futuro. ¿Y por que tanta tecnología? Se ha querido actualizar la saga a nuestros tiempos (de ahí el 4.0 en el titulo) y el enemigo ya no viene de fuera como los alemanes Hans (Jungla 1) y Simon (Jungla 2), antagonistas, todo hay que decir, que han quedado para el recuerdo de la historia del cine, sino que el enemigo esta dentro. Es un americano joven e idealista, (que en su juventud posiblemente fue un hacker que término trabajando para el gobierno gracias a haber estudiado telecomunicaciones y que en una rabieta adolescente decide vengarse de sus compañeros de trabajo por no haberle escuchado cuando presentaba su súper-idea en una reunión. Tela el niño mierda ese la que lía en 6 horas) que quiere llamar la atención de su país provocando el “Caos Total”, es decir, minar y destruir todos los medios de comunicación estadounidenses (teléfono, luz, transportes, canalizaciones de agua y gas, etc.…). Con menos carisma que los antes citados enemigos de McClane, Thomas Gabriel (que parece un cantautor pop) lucha desde detrás de un ordenador. Pero por suerte, las pobres intervenciones de Gabriel (Timothy Olyphant, visto en “Los cazadores de sueños” y “Diablo”) quedan sepultadas por las secuencias de Willis, que aunque mas comedido, no ha perdido la magia del personaje. Teniendo aún los enfrentamientos verbales a través del walkie-talkie y las lesiones (caerse de un quinto piso puede parecer un rasguño) que siempre desatan sonrisas al espectador. Solo por eso, merecen la pena los 130 min. de diversión de “La Jungla 4.0”
Si he comentado poco el resto de la saga no es por pereza, simplemente, tendrán su momento en el blog.

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Millones de páginas en internet, centenares de artículos en revistas, periódicos y semanales dedican un apartado al cine. Incluso existen ediciones especializadas en el tema. Todas ellas nos sirven, a aquellos que nos gusta el séptimo arte, para acumular montañas de información sobre actualidad cinematográfica.
Después de mucho tiempo, el equipo Blog Fiction nos dimos cuenta que, mientras tomábamos café en algún bar, o de camino al coche al salir de un multisala, nuestras conversaciones eran algo parecido a lo que algunos llaman un “cine forum”. Pero en realidad, eran una especie de puesta en común de toda esa información que habíamos acumulado leyendo esos interminables artículos de eruditos y críticos “expertos”. Es decir, hablábamos de cine con nuestras propias palabras y nuestras propias opiniones.

Sabemos en Blog Fiction que no estamos solos. Si has caído por aquí es que buscas lo mismo que nosotros. En BF intentaremos estar al día de estrenos de la cartelera. Te pondremos en antecedentes y comentaremos aquellas películas destacables de cada semana.
A parte, tendremos un apartado donde podrás encontrar otras películas. Estrenos de alquiler y de venta. Secciones especiales, de películas que, bajo nuestra humilde opinión, creemos que merecen la pena ser comentadas y analizadas en profundidad.

Esperamos que nuestra opinión no sea la única aquí presente. De vez en cuando recibiremos visitas de colegas y queremos que no solo ellos se expresen aquí, tu punto de vista puede ser interesante.
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